SEMPLICI EQUILIBRI SI TRASFORMANO IN ESPRESSIONE

Libertà espressiva. La volontà di andare oltre, lasciandosi andare ai cambiamenti. Passando da un settore all’altro. Superando le competenze con altre competenze. Paolo Benevelli, designer reggiano, racconta la sua avventura. E il suo modo di creare

Del suo lavoro, Gillo Dorfles ha detto: «I suoi mobili, il suo lavoro parlano da sé, non hanno bisogno di essere presentati». Paolo Benevelli è un designer giovane, ma già ampiamente affermato sullo scenario italiano e internazionale. Le sue creazioni, che spaziano dal design di oggetti all’interior design e si distinguono per un approccio innovativo, a metà tra l’artistico e l’industriale, sono già più volte comparse su prestigiose testate specializzate. Il suo segreto consistono in un’essenzialità accuratamente costruita e ricercata, nelle forme così come nei materiali, e nella convinzione estetica che «il semplice è bello». Less is more, insegnava il celebre architetto Ludwig Mies Van der Rohe. E nel caso del marchio P&B, di cui Benevelli è fondatore e art-director, è molto più di un motto: è un principio concreto, che si radica nella capacità, tipica del designer, di sperimentare in prima persona, di giocare con gli oggetti e che permette, come dimostrano le eleganti creazioni di Benevelli, di «fare più con meno». L’atelier P&B sorge a Scandiano, nei pressi di Reggio Emilia, città che ospiterà tra l’altro, la prossima primavera, la mostra “Le possibilità espressive del metallo”. È il metallo, infatti, il protagonista della ricerca comunicativa di Benevelli. Che però già pensa a nuove sfide creative, a nuove sperimentazioni. Perché la grande magia dell’arte, come spiega il designer reggiano, sta nella capacità di guardare oltre, e lasciarsi andare ai cambiamenti.

Quando e perché ha iniziato a occuparsi di design?
«Ho cominciato a occuparmi di design dal momento in cui ho scoperto l’amore per il disegno e per la ricerca di mezzi di espressione sempre nuovi. Ciò che mi affascina maggiormente è esattamente la possibilità di “sentire” qualcosa che nasce, di vedere un’idea che prende forma».

Quali competenze sono essenziali per la sua professione?
«Quella del designer è una professione che si muove tra diversi campi e che richiede un ampio ventaglio di capacità ed esperienze. Proprio per questo, non credo si possa individuare una competenza che sia necessaria in assoluto. Ciò che per me è davvero essenziale è la capacità di creare e dosare le competenze di volta in volta, di pensarle come progetto, in modo da poterle poi trasferire, una volta acquisite, da un settore di applicazione all’altro: dal design all’interior design e viceversa, in un vero e proprio “circolo virtuoso”. Ogni nuovo progetto crea una nuova competenza e la vera competenza, per dirla con un paradosso, è la capacità di andare oltre le competenze settoriali o preconfezionate».

Quale settore o applicazione in particolare la coinvolge con più passione?
«In effetti il mio lavoro si estende su più aree, tutte in stretta relazione tra loro. Si parte da un dettaglio, da qualcosa di piccolo, e poi si procede per aggiunte progressive, perfezionando il lavoro fino a raggiungere il massimo che si può ottenere per quel singolo caso e per quel particolare momento creativo. Direi quindi che non c’è un settore che mi coinvolge più di un altro. Preferisco poter passare liberamente dall’uno all’altro, moltiplicare i punti di vista da cui un’idea e un progetto possono essere osservati».

Con quali materiali ama lavorare prevalentemente?
«Osservando la mia produzione e in particolare i miei mobili, si potrebbe dire che sia il metallo il “grande amore”. In realtà, sono sempre pronto e aperto a cambiamenti, anche sotto questo aspetto. Credo che non ci si debba appassionare troppo a un materiale, ma che anzi si debba ricercare di volta in volta il materiale ideale per realizzare il progetto che si ha in mente».

Lei ama le forme pure, ma gioca anche molto con i colori e con le declinazioni del tatto. Come bilancia questi aspetti?
«L’arte dell’armonizzazione, tipica del design, è per certi versi simile a quella dell’alta cucina: se una portata è ben preparata e presentata, non lascia distinguere al gusto i singoli ingredienti, che devono invece comporsi e mescolarsi insieme. Così, nel mio modo di procedere, sono sempre consapevole che il tutto è maggiore della somma delle parti e che ciò che esce da questo gioco complesso è una qualità emergente, diversa dalle componenti di partenza. Giocare è importante: più impariamo a giocare e meglio procede il gioco stesso. Un gioco fatto di contrasti e dosaggi che, in alcuni casi, fa cortocircuitare gli elementi, fino a poter pensare un oggetto che sia, al contempo, rigido ma morbido. Del resto, l’equilibrio non ha nulla a che fare con l’immobilità».

Tra le sue creazioni, quali ritieneessere le più riuscite?
«I progetti di cui sono più fiero sono quelli attraverso i quali sono riuscito a stabilire un buon rapporto con l’oggetto stesso e il giusto spazio prossemico. Per il resto, ogni creazione è unica, a partire dal nome, che scelgo sempre con molta cura».

Lei è anche esperto e appassionato di comunicazione. Da dove nasce questa passione e come influisce sul suo lavoro?
«Paul Watzlawick, celebre psicologo della comunicazione, diceva: “Non si può non comunicare”. Ciò significa che la comunicazione influisce sul mio lavoro e non solo: tutti ci influenziamo a vicenda attraverso la comunicazione. Il linguaggio che utilizziamo “ci utilizza” a sua volta e crea la nostra realtà, influenzando la percezione della realtà stessa. Trasmettere le proprie idee in modo efficace è un’arte. Ed è la comunicazione, l’insieme delle potenzialità di un linguaggio a guidare quest’arte. Comunicazione, per me, significa dunque, soprattutto, strumento di cambiamento verso precisi obiettivi. Ed è questa potenzialità di cambiamento un aspetto della comunicazione che è davvero importante per la mia professione».

Quali sono le sue fonti d’ispirazione, gli stili e i designer che l’hanno maggiormente influenzata negli anni?
«Le fonti d’ispirazione che mi guidano nel lavoro sono molte e diverse. Così come molti sono i maestri, tanto nel lavoro quanto nella vita, a cui guardare non solo per imparare, ma per crescere. Direi quindi che è la vita la vera maestra: gli ostacoli, le difficoltà, tutto ciò che l’esistenza ci propone ogni giorno costituisce, potenzialmente, un grande insegnamento. Personalmente, ho sempre cercato di trarre più insegnamenti possibili da ciò che mi sta intorno, e di farne buon uso. Ma ho sempre pensato che tali insegnamenti dovessero essere rielaborati dal mio particolare punto di vista, che dovessero essere resi “a modo mio”. Fino ad arrivare a trovare il maestro che ognuno ha dentro di sé».

Nel suo lavoro quanto contano il fattore estetico e il gusto personale, e quanto il fattore puramente commerciale?
«È la mia personale sensibilità a guidarmi. Questo vale sia per il lato artistico che per quello commerciale: in entrambi i casi, naturalmente, quello che conta è l’obiettivo che si vuole raggiungere. D’altra parte, credo che l’estetica rimanga il fattore più importante: è la forma a dare un senso al contenuto. Quando immagino un oggetto e penso al suo nome, la prima cosa che mi viene in mente, attraverso la quale riesco a riconoscerlo, è la sua forma».

Qual è la strategia di promozione più adatta per un prodotto di design?
«I mezzi di far conoscere, e soprattutto far vedere le proprie creazioni sono del tutto personali. Bisogna innanzitutto studiare accuratamente una presentazione e costruirla ad hoc, anche in base alla propria identità, alle proprie caratteristiche peculiari. Poi, le strategie per promuovere un prodotto di design possono essere le più varie e diverse, ma vanno in ogni modo sempre adeguate al caso e, se necessario, anche modificate lungo il percorso, agendo passo dopo passo, per quanto sempre in base all’obiettivo da raggiungere. Come insegna la storia, ogni artista deve essere sempre il più grande promotore di se stesso, altrimenti non potrebbe probabilmente neppure esistere».

Il suo atelier è a Scandiano, in provincia di Reggio Emilia. Cosa ama e cosa apprezza della sua regione e quanto contano le origini in un lavoro che ha un respiro e un raggio d’azione internazionale?
«Ho scelto di creare a Scandiano il mio Atelier perché è qui che risiedono le mie origini. Ma a parte questo, sono convinto che si parta sempre da una meta per raggiungerne un’altra: è il viaggio ciò che conta. Allo stesso modo, ogni regione, ogni città, direi addirittura ogni aspetto della vita nasconde sempre una parte da amare e da apprezzare. Ma perché si possano creare nuovi piaceri, ogni cosa va sempre riscoperta, riconsiderata sotto diversi aspetti».

Come definirebbe, in due parole, il suo concetto di design? Quali le parole chiave, almeno nel suo caso?
«Il design è una forma di comunicazione. Con gli altri, ma anche con se stessi».

Quali sono le tendenze più significative del design dell'oggetto in questo momento?
«Personalmente non amo molto seguire le tendenze. Per definizione, ciò che è tendenza oggi, presto non lo sarà più».

Cosa distingue il suo stile e il suo lavoro da quello di altri designer italiani e internazionali?
«Ognuno ha il proprio stile, la propria personalità che lo distingue dagli altri. Per quanto mi riguarda, direi che il mio personale modo di lavorare mi porta a conoscere le cose attraverso le soluzioni, cioè sul piano pratico e concreto. Le scoperte e le esperienze più importanti che ho fatto sono iniziate da questo: dal desiderio di “fare”, prima di tutto, di toccare le cose con mano e provarle, sperimentarle sempre per primo. È anche da qui che ha preso il via la mia avventura nel design: ho disegnato, progettato, sperimentato. E sono riuscito, infine, a produrre i miei modelli e i miei progetti e ad arrivare dove sono ora».